情满青山 意溢碧海——宋国良专访

峒观蒲雪图

我们在艺术的人生中就好比是一个虔诚的修行者，现在的作品只能算是过去的驿站，在探索追寻新的目标途中，不断完善自身的修为、学养及能力。目的相对来说并不很重要，只要自己努力了，看你是否在这一“修行”的过程中，享受到了它带给你的愉悦、快乐和满足，这才是十分重要的。

东方绘画：是怎样的契机让您独钟青绿山水？

宋国良：自幼爱好绘画，从小开始学画画的时候就是从接触色彩开始的。在读四、五年级的时候就和比我们大一些的同学周末拿着画板、颜色出去画风景写生，画不好就跟别人依样画葫芦，别人画一笔我跟着画一笔，别人这样颜色蘸一点那样颜色蘸一点相调和我也跟着做同样的重复，因为什么都不懂，只有照着别人的写生而写生。那个时候能拿个画板在外面画画当画家是十分风光的事情。对色彩有特殊的偏好跟小时候的这段经历所打上的烙印是分不开的。后来开始学画国画，在图画纸上临摹水墨效果，临摹上海出的“月份牌”图片，也临摹了不少古人的水墨山水画。最使我记忆犹新的是20岁时在文化馆的图书室画报上看到明代大画家蓝瑛的《白云红树图》时竟喜欢的悄悄把这页撕下来据为己有拿回家去。后来，我用打格放大的方法十分虔诚的心情慎重其事地用了近一个月的时间把这幅作品临摹完成。完成这幅作品达到的逼真的效果让我吃惊，因为画面背景底色的自然陈旧色我用淡色染了七八遍而达到薄中见厚自然陈旧色的效果，以至后来很长一段时间都沉浸在一种成就感的满足当中。画里山是青绿色，树是红色和白色，白云在山腰和树间飘荡，一高士正策杖漫步在小桥流水间迈向枫林深处，此情此景是何等的富有诗意。后来张忠品老师看到我临摹的这幅画时，还夸奖我画得很准。这幅临摹之作被一位日本友人收藏。可惜之事是好象只拍了黑白照片，那个时候还没有彩色照片。时隔多年我又临摹同样一幅，但效果远远不及第一幅，至今仍然保留着。
　　我与恩师郭汝愚老师结缘相识是在八十年代中期，因工作关系时常在一起看他画画，聆听他的教诲。九四年十月我在省展览馆偶然看见四川省诗书画院举办的首届研修生毕业展才知道画院在招研修生。第二年三月我报名参加了画院第二届研修班的学习，正式成为了郭老师工作室的研修弟子。在画院学习期间，因郭老师画过一批“打散构成”十分现代的重彩画在社会上影响较大，在毕业汇报展上我也是画了几幅重彩风情人物画参加展出。再后来的一断时间里，也画了不少的山水画，水墨的、有彩的，大都卖到了东南亚一带，那个时候国内市场还没有起来，但是自己也强烈地意识到这样画大路货是没有出路的。要在中国绘画中有所作为，必须要走一条少有人走的路，要坚定这一信念。自己也在苦苦思索和寻找。真正使我下定决心画青绿山水画，还是在郭老师出的“艺术家档案”这本书里郭老师画的一幅重彩青绿山水“剑门关”这幅画。老师在这幅暖色调画里，大胆的红绿相间用色过渡的非常自然和谐，用线用色那种挥洒的自由度已经突破了传统青绿山水画的局限，这不正是我在寻找追求的一条自幼喜欢且少有人走的绘画之路吗？大喜过望之后，一方面着手临摹学习传统青绿山水，一方面试着画些创作，十多年走到今天能在画青绿山水方面有些心得体会，跟老师的影响和教诲是分不开的。在此、也要借这一次机会感谢恩师给我指引的这条青绿山水画道路。

诗意四条屏

东方绘画：纵观整个美术史，“传统”与“创新”的关系是个经久不衰的话题，请问您是怎么看待二者的关系？
宋国良：对于传统与创新，我主张“继承、创新”。传统是源是根，是需要学习继承的。继承不是目的，但是，只有我们真正认识、理解和掌握了传统中的精髓所在才谈得上创新。为创新而创新，那是“无源之水”，“无本之木”。李可染先生曾说过，对于传统要“用最大的功力打进去，用最大的勇气打出来”。学习传统的东西并不是守旧，而是通过不断研习古人的好作品，取其精华，避其不足，便于我们掌握好笔、墨、色的运用，不断提高自己的审美、造型能力。传统的东西是可以学到老用到老的，功到自然成。当你的认识和表现技法走到那一步时，自然而然的就会对自己提出更高的要求，然后不断摸索出一些新的表现方法，创造出属于这个时代的绘画作品。

东方绘画：您是怎样处理色彩与笔墨的关系？
宋国良：要画好青绿山水画，先要画好水墨画。我们讲墨分“五彩”，是讲水与墨这种单色的结合通过“干、湿、浓、淡、焦”的状态呈现，它的表现力极强。同样，我们也可以把单一颜色看成是“墨”，在实践中让它也呈现出它的“五彩”。当然，一幅好的青绿山水画它肯定是墨和色的有机结合，有骨有肉、神清气爽、和谐统一的一种关系。要做到色不碍墨，墨不碍色，亮笔亮线等等理想效果，只有多实践，多探索。张大千先生在泼墨泼彩的绘画中色墨关系的处理方法就非常好。墨破色，色破墨，墨色之间相互融合，有时候会达到一种意想不到的效果。平时绘画时我也在反复地做实验，找寻新的认识。

东方绘画：在长达二十多年的青绿山水画创作中您遇到过什么困难？
宋国良：从客观上讲，绘画材料的选择与运用是每一个阶段都会遇到的难题。比如纸张的性能，那一种纸对色彩的附着力与色彩的明亮度表现力而达到我要的理想效果，要求是比较高的，20多年来在画青绿山水过程中，我一直在寻找最适合我表现青绿山水的宣纸，我不敢说现在所用的纸就是最能表现青绿山水的纸，当然有人说画家应该去适应任何性能的纸张才算有本事，我不这样认为。俗话说“欲功善其事，必先利其器”，我要是勉强去适应了，那出来的效果肯定不是我要的那种效果。如果说在青绿山水的创作中遇到的最大困难，我说主要还是自身身心很多时候没有进入一种“物我两忘”的境界，我是只能认真专做一件事的人，来不得半点干扰，如果有很多了又未了的烦心事情挂在心上，即便完成了作品，那肯定不是最好的作品，是看得出瑕疵的。在今天这个经济快速发展的社会，一个画家能够排除更多的诱惑，潜下心来专注于创作，是难能可贵的。绘画的过程就是修行的过程，我们不断地修身、修心、修德，创作的作品才会有它的灵魂所在。

西园雅集

东方绘画：曾有人说您画的是您“心中的山水”，我们该如何来理解这“心中的山水”？
宋国良：说我画的是我“心中的山水”非常准确，我想他一定是一位很有见地的理论家或批评家。“心中的山水”顾名思义，它不是指明确的某地某山，而是根据主题与情节的需要来主观意象安排画面的山、水、树、石、云、人物等等诸多元素的有机结合体。你可以把画面表现得气势磅礴振奋人心，让人有种积极进取的冲动；也可以把画面表现得山青水秀风景宜人，让人留恋往返闲情逸致。我想这正是绘画的魅力所在。我觉得我不仅画了自己“心中的山水”，也画了很多人“心中的山水”。也许他们也和我一样，在嘈杂喧闹的社会中，也向往那份宁静的山水风光，也向往古人那份闲情逸致，吟诗作画的生活状态。“心中的山水”它不但是画家自身情感的艺术表达，它更能与观者內心情感产生共鸣的一次艺术交流。正所谓“以情写景境亦生，无情写景感人难”。

东方绘画：您如何理解“山水画是诗性的自然”？
宋国良：看山水画，你可以感观，可以心观，可以画观，但不可以风景观，因为笔墨表现中投射出画家观照自然的种种心迹。“登山则情满于山，观海则意溢于海”，如是作“畅神”之游，当兴家国天下之想，可悟人天自然之道。古人游厉名山大川，亲近自然，抒发襟怀，藉此澄怀观道。李白有“君不见黄河之水天上来”展现的场景中那种摧古拉朽的磅礴气势振慑人心；杜甫有“会当凌绝顶，一揽众山小”，登绝顶而小天下的心中感叹；王勃有“落霞与孤鹜齐飞，秋水共长天一色”所呈现出自然和谐的美妙景色；苏轼有“赤壁怀古、大江东去”，游历史遗迹而发古思悠情。这些大师的千古名句，读来使人心潮澎湃，画意顿生，就想拿起画笔去表现诗中意境。正如王维所说的“诗中有画，画中有诗”的典型范例。在古人很多优秀的山水画中，画上都题有精彩的诗句去完善，互补与深化作品的意境，同样观者也可以通过山水画画面意境去感悟他诗性的畅想，与作品作者进行互动，完成他们内心诗与画的融合和转换。而中国山水画本身就是诗和画完美的结合体。我自己有时也会题一些打油诗句在作品上，我想通过诗能弥补画的意境。我想这就是诗与山水画的自然融合吧。

东方绘画：我们看您的作品中多有“竹林七贤”、“兰亭”、“桃花源”等题材，这类题材的作品表达了您怎样的情怀？
宋国良：建立在中华民族文化传承中的哲学审美观，其实今人和古人对审美没有太大的区别，历史进化到今天的人们，在追求物质欲望的竞赛中变得越来越疯狂，空气污染、食品安全，城市环境变得不再适合人们安居乐业的时候，我们更应该反思：人一生需要一种什么样的生活方式与精神追求？这是每一个人对自己都要回答的问题，在我的作品中，“竹林七贤”、“兰亭雅集”、“桃花源”、“松泉清音”、“登高”、“寻幽”等等是我经常表现的题材。这些题材中的人物，都是历朝历代有名有姓真实的文化名人，他们是推动历史发展的中坚力量，他们的思想与情操，无不影响今天的文化人。之所以历朝历代在绘画中出现的众多“高士”人物，他们已转化为“知识和文化”的代表符号。我是怀着“崇尚与向往”的心情去表现这些题材的，其实我们也可以把画中的“高士”看成你自己或你身边的朋友，这种人与自然和谐相处的共生关系，在今天看来都具有积极的现实意义。这些题材之所以受到更多人的关注和喜爱，他们和我一样，都在追寻一种精神，不就是一种现实中的“桃花源”吗？

东方绘画：您如何看待写生在画家艺术创作中所起的作用？
宋国良：写生对于画家来说是非常重要的。古人有“读万卷书，行万里路”之说，石涛有“收尽奇峰打草稿”之说，郭汝愚老师有 “买米下锅”之说，我非常同意这一观点，我主张要有感而发，要把写生当“作品”来完成，要有目的性地去寻找需要的素材。去年有次随同郭汝愚老师，陈志才师兄去天台山写生，经过小九寨 “晒经石”时，看见一块硕大平整的石头躺在河边，石上刻有“晒经石”三个大字，远处过河的小长方石墩不就象散落在水中的经书一样吗？不禁联想到唐僧师徒西天取经九九八十一难最后一难的经历，顿时心生感触，展纸运笔，现场画了这幅“晒经石”写生作品，因有感而发，最后我在画上题到：“人生多磨难，九久有福缘。唐僧师徒西天取经，历经磨难，九九八十一难后方成正果，功德圆满。是图写生天台山小九寨晒经石有感。”我现场写生不是很多，我也不反对那种见啥画啥的深入生活，但是我更喜欢象古人那样“游历”，在行万里路中去感悟和积累大自然给我的“创作灵感”。

东方绘画：我们知道您这些年还画了很多扇面画，包括成扇，您是怎样在有限的尺幅上表现作品的格调和意境？
宋国良：平整的纸型扇面画虽小还是容易把握，难的是成扇扇面不太好画，它凹凸不平，同时还要在有限的空间内表现出大题材大场景，是比较困难的，比如画“兰亭雅集”，历史上所记载的出场人物就有四十多位，小小成扇上要安排这么多人都出场的话是十分困难的，当然，我们可以用“写意”来减少人物出场，这就需要我们把小画当作大画来处理，只有把它视作大画面，我们在创作时才会有大局意识，不受画幅小的限制。同样的道理，我们处理大画时也需要把它看成一幅小画，用画小画的方式，我们才会胸有成竹大胆落笔，这样才能避免无从下手或画面的琐碎，更容易把握住空间的变化。“意境”是每幅主题预先要构想好的，至于，一幅青绿扇面画的“格调”和出来的效果，根据多年实践经验体会到还是要细心把握，画面色彩宜“淡”才能“雅”，不俗才会有“格调”。

东方绘画：您下一步的创作计划是什么？
宋国良：从绘画题材的选择上我希望能更广泛一些，不一定每一幅画都出现古人，作为一名四川画家，我想在我的作品里更多的去表现我们四川的自然风光、历史遗迹、风土人情、以及人文关怀。表现形式上让这种青绿山水画走向“平面化”，这是一个新的课题，古人在青绿山水中的平面化表现是不多的，只有从古人画的大青绿或者敦煌壁画中能见到，但是这些先辈的作品，感觉到总有不尽然之处，我也希望把这种青绿山水画画的更雅、更有绘画性一些。从创作技法上我也希望自己能走向“表现”绘画，即用“写意”手法去画出“工笔”感觉的青绿山水画来，寻求一种更有“快感”的体验。因为我们在艺术的人生中就好比是一个虔诚的修行者，现在的作品只能算是过去的驿站，在探索追寻新的目标途中，不断完善自身的修为、学养及能力。目的相对来说并不很重要，只要自己努力了，看你是否在这一“修行”的过程中，享受到了它带给你的愉悦、快乐和满足，这才是十分重要的。