“融——当代油画语言研究展”即将在今日美术馆开幕

展览名称：融——当代油画语言研究展

开幕时间：2017年8月19日星期六16：00

展览时间：2017年8月19日——9月10日

展览地点：今日美术馆2号馆(北京市朝阳区CBD中心百子湾路苹果社区)

策　　展：当代油画

主办单位：当代油画、今日美术馆

承办单位：北京龙吟雅风视觉艺术中心

协办单位：北京盛世歌雅文化艺术交流有限公司、香港人民艺术出版社(香港)、当代艺术杂志社、深圳市共生艺术有限公司、北京胤湃景晟广告有限公司

出版单位：安徽美术出版社

战略合作：今日美术馆、德国伯恩当代艺术馆(德国)、地球村美术杂志(日本)、中日文化艺术交流协会(日本)、法国亚洲艺术家联合会(法国)、大象艺术空间馆(台湾)、广州国际艺术博览会、厦门艺术博览会、安徽美术出版社北京出版中心、中国美术年刊、当代艺术杂志、田汉国际文化艺术交流中心、东方文化艺术团、宋庄艺术论坛、北京盛世歌雅文化艺术交流有限公司、深圳市共生艺术有限公司

参展艺术家：

Ⅰ　传承经典

冯法祀、马常利、杨松林、宋惠民、刘秉江、路璋、张祖英、曹新林、文国璋、林俊生、买买提·艾依提、钟耕略、罗章才、郭北平、李坦克、吴银杉、刘孔喜、骆根兴、雷淑娟、刘建平、梁爱平、王嵬、高山、胥肇平、王明月、忻东旺、羊羔、童敬海、宋克、杨丽君、丁胜利、冷军、刘勐、朱世琴、安静、白建涛、徐志明、刘烨、刘晓强、张峰、蔡杰、郭福篇、达娃扎西、赵霞、牛浩东

Ⅱ　东方意蕴

汪诚一、闻立鹏、赵友萍、庞壔、宋贤珍、鸥洋、洪瑞生、鄂圭俊、若瑄、杨大全、杨晓康、赵开坤、徐福厚、陈敏、王辉、王彦文、段正渠、伍盛、杨参军、沈国荣、刘文星、贾跃民、邹光辉、马志明、刘工、余素政、廖学军、曾文、张亚伟、黄少鹏、柯萍、张培均、杨舟、赵培智、杨继锋、林卫东、纪雨彤、张洁、吴鹏举、杨朝雨

Ⅲ　话语转型

唐近豪、应天齐、龙全、张炀、毛毳、胡赤骏、布日固德、陈明华、孟禄丁、方力钧、张永胜、张方白、沈敬东、杜建奇、张闯、杨海、牛方、李剑芳、陈曦、赵尔俊、许东生、罗清、严智龙、马永强、唐华伟、冯相成、王海东、翁道胜、林琛、胡宗祥、秦蓁、康正昊、魏颖、刘宇轩

油画艺术的语言结构本是建立在西方人文基础之上。彼时的西方世界发明了“油画”作为他们的视觉文本是自然而然的选择，也可以说在漫长的历史长河中，油画艺术承载了可视性的西方文明，就如同古老的中国选择了水墨与宣纸承载视觉形象一样，对应着彼此观看世界的方式、哲学观以及文化。

一个民族创造文化并不断发展，就会形成该民族的传统文化，也就产生了文化的民族性;而一个民族的文化在发展过程中又必然接受和融入别的民族的文化，这就产生了文化的时代性。文化的民族性与时代性既统一又矛盾，缺一不可：继承传统文化是保持民族性，而吸收外来文化又赋予了本体文化的时代性。通过对艺术史(或者文明史)的梳理，我们可以清晰地观察到文化在发展过程中的以上特性。东西方文化在各个历史阶段的交流中不断吸收对方的文化而产生新的文化，尽管彼此的融入并没有消除各自本体文化的民族性，但正是由于新文化的产生开创了新时代，使人类文明的边际不断拓展并持续进化。

时至今日，作为西方舶来的油画艺术，裹挟在近现代西学东渐的这股时代大潮中，在中国的文化土壤生根发芽，历经百年而根深叶茂。油画艺术深深地融入到中国文化中，已成为中国当下重要的艺术门类，参与着中国现代文化的整体建构。

“笔墨当随时代”，指的是中国画的绘画语言应当随着时代的更迭而变化，而源自西方的油画语言又何尝不是如此。“融：当代油画语言研究展”以艺术史为背景，观察油画语言随着时代的演进与递嬗：通过参展油画家的集体视觉文本，让我们看到了文明的画卷依次开启——抑或上一个时代的终曲往往孕育着下一个时代的序曲。

探索和实验的目的是拓展语言的边际，以求获得未曾谋面的新意，并传达时代的声音甚或引领时代。新时期的中国油画在这个纷繁的世界当代艺术潮流中，同样不乏变革的力量，许多艺术家尝试用各自的文化经验与想象力重塑油画语言，与传统拉开距离，以实现各自的文化抱负。

部分参展艺术家作品欣赏：

中国艺术的灵魂之路，是由范宽、徐渭、八大山人、黄宾虹、颜真卿、怀素及汉代、北魏的碑文刻写者等组成的。我自觉地追随这条艺术灵魂之路，聆听、感应、接近这个灵魂的召唤。在漫长的岁月中努力，就是要复兴这条灵魂之路。这条灵魂之路，也帮助我穿过现代艺术和当代艺术的迷雾，从而形成我自己。我画鹰，是对现代人精神离去的悲哀;我画塔，是对中国人内心信仰缺失的忧虑;而一笔弧线，则是在一瞬间中体验禅意。艺术语言一直是艺术家存在的显现，我的艺术语言，起步于抽象表现。通过长期对中国水墨、碑帖、线条的体悟，逐渐形成画面中毛茸茸的线条和凝固的造型。我不太在意艺术的种种玄说和花招，我体会到对绘画造型个性化的追求以及低沉的劳作，更能接近道的精神、艺术的本源。

从“英雄”系列、“和谐”系列、“包扎”系列、“动物”系列、“小王子”系列、“不听话的人”系列等一路走来，一晃14年了。我从小学画到现在，已经半生了。我的作品构建了自己的人生记录，它与我的经历有关，也折射出一个个体在这个时代的处境。我是以个人视角来看待这个世界的，表达了对这个时代的真实的感受。我的作品是我心灵的感受，是我和这个时代的连接，希望也是我和我的时代的一座纪念碑。

近期建奇的视觉精神诉求体现在一批给阅读者留下深深印象的素描作品中，画中人物或思考、或冷漠、或大笑、或激奋、或沉默、或坦胸、或怒吼、或懒散、或悠闲，迷人性感的嘴唇，既充满着诱惑，又弥漫着危险。这正如“性虽是美丽的，但也是很危险的”谶语一样，建奇在不动声色和悄然自然间，触及到了中国社会巨变带来的生活方式的改变和人性在激变的社会潮流中的变迁。一个毋庸置疑的事实，我们的社会在尝试从传统向现代转型，从传统农耕文明向现代工业文明转型，从乡土社会向城镇化转型，而我们的文化在激变的社会潮流中也发生了深刻变化。当我们告别2000多年悠久的历史传统(并未真正脱离)，当我们经历社会主义经验式的文化的洗礼，当我们历经改革开放、思想解放而终于获得艺术表达方式上的自由，全新时代带来的亦是表达方式上的新思维、新理念。

——冀少峰(湖北美术馆馆长)

如果张闯的绘画仅仅停留在人物形象刻画的生动和画面背景营造的别致这样一个外在形态的层面，那它还不足以得到更高的褒奖。在我看来，他的绘画的真正价值在于他对人物内心世界的揭示。在张闯画中所有人物的脸上，我们看不到笑容，恰恰相反，那些处在运动状态中的年轻人的脸部表情始终是凝重和忧郁的，张闯甚至用“迷离”这样的词作为作品的标题。物质上的富足与精神上的迷惘是当下都市年轻人乃至整个社会的典型症候，张闯揭示出了隐藏在时尚外表下都市青年复杂的内心世界，使得他的作品超越了对现实生活浮泛表面的记录，而具有深刻的人文精神含义。通过都市时尚青年形象，张闯的绘画不仅塑造了城市化时代的典型图像，而且刻画了现代都市青年的精神肖像，正因为如此，他的作品才有了打动人心的魅力。

——王端廷(中国艺术研究院美术研究所研究员)

画家是以绘画的语言表白内心世界的，如何让他人看懂自己的画?只要做到真诚就够了。真诚地面对自己，真诚地面对画面，就会有一个完整的表达。而作为观者，对于绘画的直感就是一切。作者的意图也好，表现也好，已然完成了其使命，你所面对的就是绘画。它是一个平等的生命，只要用心去与它对话，你就会听懂它在说什么，这里面或许会有作者的话，只要他曾真心地劳作过;或许会有你自己的话，只因你真诚地面对它;这里面也必然会有它自己的话，因为它现实地存在着。 生命是流动的，无始无终，无处不在。生活是丰富多彩的，千变万化，千姿百态。要用心灵去感知，去发现，去表现。“绵绵若存，用之不勤。”大道冲和，生机无限。

绘画的本质，既是绘画对象在不同时空的总结，也是绘画本身在不同时空的重新组合，还是绘画情绪在画面上不同时间段的痕迹。绘画的完整性，不在于统一的时空，而在于认识方式的整合，也就是画面抽象结构的完整性。而情绪的积淀，理性与感性的相互影响会逐渐深入，在形象的启迪下，形成绘画的趣味性与思想性。

对于一位画家而言，对生存的敏感是最重要的所在。她的作品中有她对生活的独特感受，例如东欧城市风景题材的创作，那种非人世的缥缈、明亮，真叫人不得不心生向往。由于李剑芳对色彩的独特感悟，作品似乎围绕色彩而展开，在这种情况下，抽象化是必然的选择。与此同时，李剑芳的个人风格隐隐浮现。她的基本型自由而多变，出发点视感触发生的情况而定，然后不停地生长，基本型幻化出各种样式，生动、新鲜。她充分享受这变化的喜悦，观赏者也能够体会到这种喜悦。这是她的创作进入一个新阶段的标志。

——邱振中(中央美术学院教授)

在今天，绘画的方式于部分人类的情感诉求传达，依然是无法割舍的选择，或许这个人群还不在少数。不同的情况是今天的绘画虽然没像一些预言所说般死亡，但已失去了曾经的艺术主流地位，而作为多种艺术媒介当中的一种老古董方式留存下来。绘画还有魅力吗?还有新的艺术价值吗?像这样的问题在从前的若干年都是不可想象的，如今绘画却遭遇了显而易见的质疑。在当代实验先锋艺术群体中，绘画根本不在使用和讨论的范畴内，即便还出现貌似架上手绘的东西，那也已经完全不是绘画原先的含义表达。在另一方面，顺着传统绘画路子一路前行的艺术家们，依然故我地陶醉在每日对那几块迷人色彩和笔触变化的反复纠结与推敲之中，而描绘的对象依然还是那些让他们感觉愉悦的人像及景物，就像几千年前的古人所做的一样。

画画时听瑜珈音乐，心专注于手，手专注于笔尖，心便寂静而空旷，人也渐渐缩小、渐渐轻盈起来，笔尖的线条愈加沉，愈加锐。当线条时而斩钉截铁地穿插、交错，纠纠缠缠，不离不弃，时而迟迟疑疑、松松紧紧地牵着，丝丝缕缕地逶迤而下时，现代艺术的美丽就从远古的洞穴时代缓缓地流了出来。我始终喜欢线条，因为它们直接而单纯，响亮却没有杂音，这组人体画基本上是在用线条说话。像泼墨一样，这些调子滂沱而出，无遮无拦，却有着荒凉而遥远的神色。它们是中国画中的“气韵”，它们自由运动的气势是画面气氛的需要。我把作品的造型和结构都交给了线，通过泼墨的方式自由地体现着水和墨的交融、冲击，表达着我心中的潮涨潮落。我喜欢墨被水冲击的感觉，这其中有一种被岁月的风雨冲刷的古旧而残破的雕塑的沧桑感。

在许东生的绘画里，光是至关重要的元素，它无处不在。它就在昏暗天幕下的地光里，就在罗汉们熠熠发光的容貌中，就在神婆风旋云舞的流光上，也在克莱因蓝与幽冥的暮光间……从来都是作为色彩的隐身者而存在的光，被许东生赋予了独立和物质化的视觉形式。在他较早的作品里，通体发光的人体幽灵们，相互拥抱着，搀扶着，烛照着，以此来驱赶黑暗的吞噬;而漂浮在烟尘中的不明发光体，更犹如神明的乍现，在提示着和指引着迷失和困顿中的羔羊。最新的作品显示，这种通过人体和发光体来统摄黑暗世界的华彩高潮并传递出难忘神性与诗意的诉求，又有了新的变化和内涵。黑暗中裹挟着的混沌烟尘渐渐淡去，黑暗开始显露出它的巨大无边，犹如幕布般包围和笼罩着泛白的大地。

——高岭(艺术评论家)

人总是恐惧自己没根、没位置，我没这种感觉，相反却觉得冒险能带来趣味和那么一点点的动力，可能还是因为自己对未知的兴趣超过了无聊的安全感。生活中的很多人在不断地垒石头，自信和骄傲从中生发，我也痛恨自己没有他们那样的耐心和比赛般的坚持，却整天想象那清风般的自由。画画其实是很奢侈的精神类的活动，而生活很残酷、很麻烦。在我看来，偷空画点画，逃避一下现实，胡乱地想象，偶然地瞎涂，别无他求，也好。如果人生可以重新选择的话，做一个看画的人要比画画的人幸福得多、愉悦得多。